Festival del cinema di Venezia 2018- Parte 2 - I grandi film in concorso - di Riccardo Simoncini

Ed eccoci alla seconda parte del resoconto veneziano di Riccardo Simoncini.

Questi di cui parlerà sono, a suo parere, i 7 migliori film presentati in concorso.

E ci sono tutti registi che adoro, Lanthimos, Cuaron, Nemes, Reygadas, Corbet, i Coen...

Io, mannaggia, non posso legger nulla.

Voi fatelo ;)

E se commentate Riccardo vi risponderà su tutto.

The Favourite (Concorso)

Corte sfarzosa del 1700.  Una guerra è in corso. Sarah (Rachel Weisz) è la Favorita della regina. Fredda, spregiudicata, assetata di potere, a tal punto da scavalcare spesso la regina e prendere decisioni al suo posto. Arriva poi alla corte una cugina della Favorita, Abigail (Emma Stone), una dama declassata per problemi di famiglia. E se all’inizio suscita pena e compassione, per il suo essere continuamente maltrattata, sfruttata, derisa e picchiata, ben presto si capirà che, dietro quella gentilezza e nobili sentimenti, si nasconde in realtà uno spirito calcolatore e comunque pur sempre spregiudicato. Perché Abigail vuole diventare la nuova Favorita. E così inizierà la lotta tra le due cugine, entrambe spregiudicate, ma dai metodi diversi. Sarah così dura e fredda, ma così spontanea, l’unica che osi dire alla Regina che “assomiglia ad un tasso”. Abigail gentile, intelligente, ma più simulatrice, ingannatrice. 

E queste due donne si scontrano di fronte ad una regina (Olivia Colman) fragile fisicamente e psicologicamente che, dopo aver perso 17 figli, può solo trovare conforto in conigli che portano i loro nomi. È infatti proprio lei il personaggio chiave del film, in questa sua fragilità, che tanto si oppone alla sua carica di regina, che dovrebbe invece rappresentare sicurezza e autorità.

Ed in effetti le sorti di tutta la storia sono affidate a donne, personaggi femminili complessi, intelligenti, capaci di controllare, decidere, governare. La femminilità è il Potere, il controllo. I personaggi maschili sono al contrario incapaci di agire razionalmente, , in preda alle loro pulsioni più primitive e totalmente sotto il controllo delle diverse sfaccettature della Lei. Sono proprio questi personaggi maschili quelli più divertenti. Sì, perché questo nuovo Lanthimos si allontana in parte dalla componente disturbante (forse anche perché cambia lo sceneggiatore), per approdare più concretamente alla commedia: cinica, cattiva e irriverente, riuscendoci perfettamente. 

Roma (Concorso) 

Il film-esperienza di Venezia75. Dopo essere stato lanciato al grande cinema, Alfonso Cuaron torna con il suo film più personale. Un film fortemente autobiografico, per raccontare una famiglia borghese messicana degli anni ‘70, in particolare le donne che la formano, il vero pilastro di tutto il nucleo familiare. La femminilità qui trascende i rapporti di classe, ponendosi come l’unica in grado di occuparsi della vita quotidiana della famiglia. La famiglia di Cuaron. La sua esperienza. Che diventa anche la nostra. Ed è interessante a tal proposito una frase pronunciata continuamente da un personaggio bambino (Cuaron?) del film:

“Quando ero grande, facevo...” 

“Si dice: quando sarò grande” viene corretto dalle persone che ha intorno 

“Quando ero grande, prima di nascere” puntualizza lui. 

Ed è quello che in effetti fa Cuaron. Un grande regista, famoso, diventato “adulto”  con film dai grandi attori americani, rinasce bambino e ricorda come un bambino. Semplifica la storia e la rende ricordo. Perché, come si è detto, il film è una vera e propria esperienza di immersione ed atmosfera, fatta di suoni, musiche diegetiche, immagini oniriche in bianco e nero. 

Tutto questo è funzionale non solo a raccontare un microcosmo familiare  ma anche per delineare un macrocosmo nazionale: il Messico. Il Messico di Cuaron. Il Messico dei cambiamenti sociali. Il Messico che ha generato un grande regista, che è riuscito a portare il grande cinema anche al di fuori del suo Messico.

The Ballad of Buster Scruggs (Concorso)

Sei episodi (in questo festival tanti sono i film che sfruttano gli episodi o la divisione in atti per la narrazione). Tutti western. Tutti nello stile tipico dei fratelli Coen. Ma comunque sei episodi autonomi, ognuno con la sua storia, ognuno con i suoi attori. Potremmo quasi definirli come “fiabe americane”. Ognuna esplora in maniera diversa un aspetto di un genere che forse molti potrebbero rilegare al passato. Ma l’approccio dei Coen è come sempre geniale, perché dagli episodi emergono tutte le sfaccettature dell’animo umano, eterne e costanti nell’evoluzione del tempo, così tanto divertenti e grottesche, come da sempre ci hanno abituato. 

Ed in effetti seppur il western faccia da sfondo, i generi si mischiano e permane sempre  quella commedia irriverente, che è ormai un marchio di fabbrica di grande qualità della coppia di registi. 

Sunset (Concorso)

La degna continuazione de Il Figlio di Saul è a Budapest, all’alba della Grande Guerra. Il volto che la telecamera segue continuamente durante il film è questa volta di una ragazza, Irisz Leiter, che arriva da Trieste cercando lavoro come modista nel negozio di cappelli che una volta apparteneva ai genitori, morti in un incendio. 

Le suggestioni e gli interessi di Nemes sono rimasti, però, invariati da il figlio di Saul. A muovere i personaggi c’è sempre la ricerca continua di un qualcosa. Di misterioso, di nascosto. Un rabbino ne il figlio di Saul. Un fratello inaspettato in questo secondo film. Un fratello che si nasconde. Un fratello che potrebbe avere a che fare con un gruppo di rivoluzionari. Ma pur sempre un fratello. 

A far da sfondo alla vicenda c’è poi sempre un’epoca storica ben precisa, che in qualche modo conserva un rapporto diretto con la realtà della guerra. Ne Il figlio di Saul gli effetti di questa sono già del tutto evidenti. Perché siamo nel bel mezzo di un campo di concentramento. Nemes ci mostra cioè una caduta e una dissoluzione ormai in atto, forse già quasi conclusa. In Sunset, invece, la guerra deve ancora iniziare. Vediamo insomma le premesse della dissoluzione del tutto. Tristi e inquietanti presagi di una fine imminente, che porterà quella distruzione raccontata nel primo film. Ed in questo senso il titolo “Tramonto” si deve forse intendere: il momento di passaggio tra la fine di qualcosa, l’affievolirsi della luce e l’incombere devastante di un buio che tutto divora e avvolge. Un buio che abbiamo ben conosciuto ne Il figlio di Saul e di cui in questo caso vi è solo presagio. 

Ma come detto a dominare la scena è l’essere umano, che si concretizza in questo film nella figura di Irisz. Le sue ossessioni, le sue paure, le sue ambizioni. E se quindi insomma tutto ciò che le sta intorno sta cambiando, “tramontando”, anche lei sta mutando. E dalla piccola e dolce ragazza piena di luce e di speranza, lentamente emergerà un buio, che conquisterà anche il suo animo, ormai attuazione di quella guerra che prima era solo un triste presagio.

Vox Lux (Concorso)

Dopo il bellissimo “L’infanzia di un capo”, Brady Corbet torna con un film che appare più che legato alla sua opera prima. Cosa porta una persona comune a diventare un leader? In che modo può essere capace di riunire e condizionare intere masse di persone? Se nel primo film questa figura si concretizzava in un futuro dittatore (di cui solo alla fine ne vedevamo il compimento), in questo caso la protagonista è una popstar, in egual modo persuasiva e potente, seppur in maniera diversa, contestualizzata all’interno di un’epoca storica ben precisa. Se ne “L’infanzia di un capo” il tempo era il Novecento dei grandi totalitarismi, ora il tempo è quello presente, tra il 1999 e il 2017, quello delle stragi nelle scuole, delle Torri Gemelle, dei terroristi islamici. Quello in cui proprio quegli stessi terroristi possono indossare maschere ispirate alla nostra popstar. Celeste il suo nome (da ragazzina interpretata da Raffey Cassidy e da adulta da Natalie Portman). Celeste come il cielo. Come un cielo sereno, limpido, puro, privo di preoccupazioni. Celeste e luminoso, come quegli abiti, quelle coreografie, quei video così colorati, allegri, sfarzosi. Ma che nascondono sotto una personalità fragile, spesso cattiva, soprattutto nei confronti delle persone a lei più vicine. La “star”, la stella, una luce, in un cielo celeste, nasconde dentro un grande buio, un grande vuoto.

Nuestro Tiempo (Concorso)

“Il nostro tempo”. “Nostro” inteso come personale, in prima persona, di una famiglia. Di una coppia. L’occhio di Reygadas (che qui ricopre anche il ruolo di protagonista) si immerge del tutto nella vicenda. Come in tutti i suoi altri film, accediamo ad un nuovo mondo, evanescente, onirico, pieno di emozioni. Il Tempo in questione non è quello narrativo, ma quello interiore dei personaggi. Quello filtrato dalla soggettività. In questo senso è una vera e propria storia personale, dato che nel film ci sono Reygadas, la moglie, i figli. Tutto questo in un ranch, con tori, cavalli, che regalano sequenze magnifiche, dal grande impatto visivo. Quei tori che combattono, quei cavalli che corrono. E che riprendono un po’ quelle figure umane che si destreggiano, scappano, si ritrovano. E non è un caso che ad ostacolare la relazione coniugale sia un addestratore di cavalli, la persona che dovrebbe quasi “umanizzare” gli animali. Tra questo triangolo di persone si sviluppa la vicenda, che ovviamente si allontana dalla narrazione classica, per scegliere invece una messa in scena sempre coinvolgente ed estasiante.

Killing (Concorso)

Il nuovo film di Shinya Tsukamoto. Una nuova riflessione sulla violenza. Questa volta su un fenomeno radicato nella cultura giapponese: quello dei samurai. In effetti anche noi spettatori abbiamo sempre visto film su samurai, senza porci troppe domande sulla legittimità di quella violenza. Tsukamoto, invece, parte proprio da questo dubbio: come può essere così facile uccidere? Ammazzare persone senza alcuna esitazione? E lo fa prendendo come punto di riferimento un giovane samurai incapace di uccidere. Si sviluppa così non solo una riflessione sul concetto generale di violenza, ma proprio su una tradizione, su una componente ormai del tutto consolidata nell’immaginario collettivo. In questo senso il film nasce dal passato e dalla storia per poi modernizzarla, attualizzarla, ponendo in prima linea un problema più che mai contemporaneo.

Violenza come dimostrazione di forza e coraggio, per diventare eroi, per sentirsi i migliori del villaggio. Come se bastasse uccidere per essere apprezzati e considerati.

Festival del cinema di Venezia 2018- Parte 1 - i migliori film fuori concorso - di Riccardo Simoncini

Riccardo Simoncini è un giovanissimo lettore del blog, se non sbaglio ha da poco compiuto vent'anni.

Già due anni fa scrisse due articoli sui film visti a Venezia.

Siccome non ha ancora spazi suoi dove scrivere anche quest'anno ne approfitto io e lo faccio diventare voce ufficiale del blog al festival.

Riccardo è un ragazzo d'oro che sta cercando di approfondire questa sua passione per il cinema a 360°, anche girando cose (avevamo fatto veder qua il suo corto).

Credo che mai come quest'anno, visto quello che è accaduto, dare voce a un ventenne che ha voglia di crescere ed imparare sia una gran cosa, rappresenti la faccia bella di questa straordinaria ma ancora tumultuosa moltitudine di giovani appassionati.

Come prima puntata ho raccolto sei film fuori concorso, domani parlerà di 7 che invece erano nella gara ufficiale.

D'ora in poi a scrivere è lui.

Un’edizione ricca di grandi nomi. Di nuove scoperte. Di grandi riconferme. Tanti film hanno diviso pubblico e critica, ma come ha detto in conferenza stampa la presidente di giuria Orizzonti, Athina Rachel Tsangari, in quanto amanti del cinema occorre quasi “ucciderci” l’un altro per un film, sia come registi,  che come giurati o come semplici spettatori. Parlare e discutere dei film è in fin dei conti forse una delle parti più emozionanti di tutti i festival. In questa edizione 2018 domina poi la realtà Netflix: non solo tanti film in concorso, ma anche due film vincitori Netflix (Roma come Leone d’Oro e i Coen per la miglior sceneggiatura). Come ha detto, però, Guillermo del Toro, presidente di giuria del concorso, questo non deve essere inteso come un evento epocale, come inizio o fine di qualcosa, ma piuttosto come “la continuazione di un processo iniziato centinaia di anni fa”.

Sulla mia pelle (Orizzonti)

Il caso di cronaca nera di Stefano Cucchi, interpretato magistralmente da Alessandro Borghi. Una storia di 7 giorni iniziata con un episodio di violenza inaudita. Noi non lo vediamo questo episodio. Ma ne vediamo gli effetti. I segni indelebili sulla pelle di Stefano. Quei segni che lo accompagneranno in tutto il film, durante tutti i suoi spostamenti. Durante tutti i suoi incontri. E in effetti in questi incontri, nessuno può restare indifferente. 

“Cosa ti sei fatto?” Gli viene chiesto

“Sono caduto dalle scale.” Risponde lui 

Ma di tutta la gente che incontra, non riesce mai a vedere le persone che vorrebbe: la sua famiglia, il suo avvocato. Perché la burocrazia è lunga e complessa. E lui sempre più debilitato. A volte ha la forza di arrabbiarsi, altre volte solo di abbandonarsi a se stesso e di non combattere più. Ed è in quest’opposizione che noi cogliamo il suo dolore: la volontà di ribellarsi è frenata dalla paura, dalla mancanza di fiducia nelle persone che ha attorno. 

Alla fine quei segni di violenza di moriranno con lui. Ma non tutto è morto. La sua storia è viva. E questo film ne è la testimonianza. 

Anons - The Annoucement (Orizzonti)

Una commedia politica satirica turca su un colpo di stato militare. O meglio: sul tentativo di attuarlo in una notte. Perché in realtà quel colpo di stato troverà continuamente degli ostacoli: assurdi, impensabili e per questo tremendamente divertenti. 

Così, recuperando stilisticamente Roy Andersson, il film si prende gioco degli idealismi, il dogmatico ed eccessivo credere in qualcosa fino alla fine ed esalta quindi il contrasto tra idealismo e realtà. È interessante, infatti, quest’opposizione proprio perché il film arriva da una nazione come la Turchia, dove sembrerebbe impensabile poter ridere di temi così delicati. In effetti il film più che come una commedia appare come una tragicommedia. Il silenzio domina la scena e quando qualcuno parla è per dire frasi inopportune, assurde e fuori contesto. “L’annuncio”, insomma, non è solo quello del colpo di stato alla radio all’interno del film, ma rappresenta anche l’annuncio dell’arrivo di un nuovo regista e chi lo sa magari di una vera e propria corrente. 

Domingo (Giornate degli Autori)

Domingo potrebbe sembrare ad una prima occhiata il classico dramma familiare. Di quelli già visti e rivisti. Invece no. Di nuovo una tragicommedia. Di nuovo il contesto esterno alla famiglia assume un valore centrale nella narrazione, soprattutto se si considera che il paese in questione è il Brasile. Se si considera che nel film il presidente Lula è appena stato eletto. Così questo contesto ben preciso non fa da semplice sfondo al racconto, ma ne è del tutto interno. È radicato nei personaggi. Perché nel loro agire, in fondo, tutti sono in qualche modo condizionati da ciò che li circonda. Le vicende del Brasile ne determinano allora le azioni, i pensieri, le emozioni. I rapporti tra i membri della famiglia, in alcuni casi sinergici, in altri conflittuali, in altri ancora addirittura morbosi, vengono ad essere conseguenza del tempo. Tempo del presente per i cambiamenti in atto. Tempo del passato, per chi l’ha vissuto. 

E così c’è chi spera in quel cambiamento incarnato da Lula, chi lo vuole evitare e chi invece quella speranza l’ha del tutto persa. 

Blonde Animals (Settimana della critica)

Riprendendo il surrealismo di Quentin Dupieux (anche se meno allucinato e meno geniale rispetto ai film del grande regista francese), Blonde Animals è un viaggio divertente all’interno della vita di Fabien, un uomo che non può più ricordare. “Mi dimentico le cose perché non assimilo bene le vitamine” è la frase che torna continuamente durante la visione. Perché si dimentica di tutto: di cose, di persone, di luoghi e appunto delle frasi che lui stesso pronuncia. 

Il tema della memoria è il fulcro del film. A ricordi del presente che non riescono ad essere impressi nella sua mente, si oppongono ricordi di un passato felice, di successo, quando Fabien era una star di una sitcom degli anni ‘90, che invece permangono in maniera indelebile nella sua memoria. Così come permangono i ricordi di una ragazza che ora non c’è più. Quasi come se quell’uomo fosse bloccato: incapace di andare avanti e di vivere un presente che diventerà poi passato. A contribuire all’assurdo è in particolare una caratteristica di Fabien: la capacità di mangiare (e digerire) qualsiasi cosa. Oggetti di qualsiasi tipo e dimensione. Ma questa capacità così completa, concreta e materiale è contrapposta ad un’incapacità più astratta, ma in questo senso molto più dolorosa: quella appunto di non riuscire a  ricordare. 

The man Who surprised everyone (Orizzonti) 

Il travestimento come inganno. Quello che viene sfruttato, per esempio, da un ladro per eludere la sicurezza. Per non farsi riconoscere. Per confondersi con gli altri. Potremmo definirlo come un segno di astuzia. Cosa cambia allora quando quel travestimento è invece da donna? 

Così un uomo, malato terminale, ormai abbandonato dalla scienza, decide di affidarsi a credenze popolari e si traveste da donna, per ingannare la morte. Per non farsi riconoscere appunto e confondersi quindi con altre donne. Un semplice vestito, del trucco applicato sulla faccia: una maschera insomma, un sottile velo esteriore. Perché il protagonista in realtà non si sente donna. Quella è solo apparenza, una maschera, che, però, agli occhi della gente del posto (una classica cittadina nella taiga siberiana) è qualcosa di più. Qualcosa di diverso, che esce dal comune, dalla tradizione, e che per questo deve essere represso. Se i suoi amici e conoscenti all’inizio provavano pietà nei suoi confronti, arrivando a dargli soldi per permettergli di curarsi dal cancro, con un po’ di trucco e vestiti femminili invece lo deridono, arrivando addirittura a picchiarlo. Come se in fondo i primi ad essere ingannati da quel travestimento fossero proprio le persone a lui più vicine. Come se queste non l’avessero mai conosciuto realmente per la sua essenza. Come se quell’aspetto esteriore con cui nasciamo rappresentasse in toto il nostro Io.

Manta Ray (Orizzonti)

La manta. Animale marino gigantesco. Titanico. Quasi mitico. Immenso nuotatore. Immerso continuamente nell’oceano. Ed è nel mare che affogano tanti rifugiati, che in questo film thailandese in particolare sono rappresentati dai Rohingya della Birmania. Uno di loro viene trovato ancora vivo da un pescatore del posto. Non parla, non ricorda. È un uomo senza nome, senza identità. Tra il salvato e il salvatore, entrambi uomini soli per motivi differenti, inizia così una grande amicizia, di silenzi innanzitutto, di esperienze, che diventano spirituali, immateriali e spesso quasi surreali, perché in tutta questa sofferenza diventa difficile accontentarsi della realtà e si può solo più nuotare nell’acqua. Lontano.