Recensione: "In a lonely place"

Non il solito piccolo film autoprodotto italiano.

Un raffinatissimo thriller psicologico, pazzo ed elegante allo stesso tempo.

Con, in più, il merito di poter essere letto in tante maniere diverse

spoiler dopo l'ultima foto

Tempo fa mi ha contattato una ragazza (che ho scoperto poi essere anche la sceneggiatrice, in tandem col regista, del film) mandandomi privatamente il link per poter vedere il "loro" film, una sorta di thriller psicologico da camera (d'albergo).

Purtroppo, per svariati motivi che non sto qui a dirvi, sono passati mesi e mesi prima che sia riuscito a vederlo.

Eppure ricordo che quando aprii quel link mi dissi subito, scorgendo un paio d'immagini, che quello non pareva essere il "solito" film italiano autorpodotto di genere, quello a pane, salame e passione.

Intravedevo un certo stile, una cura particolare.

Tra l'altro mi stupì la scelta della lingua inglese, apparentemente molto coraggiosa, in realtà soltanto parecchio acuta.

Beh, l'ho visto ieri.

E quel flash che ebbi allora, quell'epidermica sensazione di non avere sott'occhi il solito film autoprodotto, si è rivelata clamorosamente azzeccata.

"In a lonely place" è un thriller psicologico di rara cura e finezza, una di quelle opere in cui senti a pelle l'amore e la dedizione che chi c'ha lavorato c'ha messo dentro.

Visivamente, un gioiello.

Il regista, Davide Montecchi, è uno che adora i lenti movimenti di macchina, l'uso raffinato delle location, l'impatto straniante di un primissimo piano. Non sbaglia praticamente un'inquadratura che sia una, si muove negli spazi, si ferma negli spazi, aggredisce gli attori e poi spesso li lascia là, fermi e tramortiti, in dei perfetti campi medi.

Aiutato poi da una fotografia splendida, sorprendente, con un uso delle luci (credo principalmente naturali) a tratti pazzesco. Montecchi ama la luce che filtra, che riverbera, che riflette.

Ma del resto la sua fissa per la riflessione si nota principalmente nell'uso continuo - talmente continuo da sfiorare l'abuso - degli specchi e delle superfici riflettenti. Montecchi usa talmente tante volte questa tecnica che in più di un caso non riusciamo a capire se quello che stiamo vedendo è la "realtà" o solo la sua parte riflessa.

Ma del resto lo specchio non è solo artificio tecnico ma anche metafora e mezzo per raccontare una delle tematiche principali del film, ovvero la schizofrenia, la presenza dei "doppi", l'impossibilità di definire i personaggi come individui singoli e ben delineati.

Teresa va a fare uno shooting fotografico da un suo amico inquietantissimo, un certo Thomas che vive (?) nell'abbandonato hotel che la sua famiglia possiede da generazioni.

Lo spettatore si chiede più volte come una ragazza carina come lei possa fidarsi di un freak come quello. In un posto come quello poi. Ma i due si conoscono da tempo, sono molto amici. E, forse... vabbeh, non dico niente.

In ogni caso Teresa se ritrova legata su una sedia, Thomas l'ha sequestrata.

Perchè? come è successo? che vole da lei? che le farà?

Ecco, questo.

Sequestrata e sequestratore, due soli attori e una location pazzesca, terzo personaggio del film.

Thomas è chiaramente disturbato, un pazzo delirante. Racconta di Sagawa (andate a cercarvi chi è, io lo conoscevo bene...), ha uno sguardo da mortacci mia, è insidioso, viscido, pericoloso.

E tutto questo grazie allo straordinario attore che lo interpreta, Luigi Busignani, fisico e faccia alla Arquint di Shadow e una mimesi con la pazzia pazzesca, roba ai livelli dell'attore di The living and the dead per capirsi (molto brava, e pure bella, anche lei, Lucrezia Frenquellucci).

E' probabilmente attratto da lei, innamorato, forse persino la idolatra.

Ma lei non pare la ragazzetta indifesa che è, anche lei è una a cui la testa funziona poco.

Parte un film che ha almeno un difetto, forse solo uno.

Ha l'anima e la forza di un mediometraggio sulle gambe di un lungo.

Montecchi è bravissimo, allunga le scene a dismisura, ripete ossessivamente sequenze e frasi, torna più volte su cose già viste. E sì, l'effetto è straniante e fa pendant con situazione psicologica e personaggi, ma a volte la sensazione che si siano "aggiunti" minuti per arrivare al lungo la si sente...

E il rischio, in due/tre momenti, che il film fatichi ad andare avanti e faccia capolino l'esercizio di stile è ben presente.

Però poi il film riparte benissimo, aggiunge "ciccia" nuova (proprio quando stavamo girando un pò troppo su sè stessi) e da quel momento in poi va dritto come un treno fino alla fine.

La scena turning point è probabilmente quella della vhs, veramente notevolissima (e anche abbastanza dura da sopportare).

Di lì in poi per lo spettatore più accorto il film cambia. E fa un miracolo, ovvero quello di poterti far credere tutto e il contrario di tutto.

Chi sta torturando chi? Chi è il vero cattivo? Lui la odia o la ama? Adora quello che è perchè la sente simile a lui oppure vuole punirla per quella cosa che abbiamo visto?

Il film finisce e qualsiasi ipotesi uno possa tirar fuori ha piccoli elementi per poter essere difesa.

L'ultima scena poi innesca un'altra possibile, sorprendente, lettura, ovvero che tutto fosse stato concordato tra i due, soltanto un gioco al massacro tra due persone perverse e cattive (e quel pugnale proprio nel camerino di lei sembra quasi un elemento a suffragio di questo gioco).

Ci saranno altre grandi sequenze (la bellissima carrellata avanti che finisce nei bicchieri, le fotografie nel buio, il viso di lui in controluce mentre delira) e quel riferimento al minotauro (labirinto, bestia da uccidere per poter fuggire) molto affascinante.

Un film quindi sulla solitudine, sul sentirsi sbagliati e diversi, sulla cattiveria, sul bisogno malato dell'altro, sulla dominazione (e non è un caso la scelta del piccolo essere innocente che viene ucciso nel filmato), sull'onnipotenza.

"Voglio amare solo chi capisce chi sono nel profondo" disse lei in una registrazione.

Lui, forse, chi era lei l'aveva capito.

E, in urlanti "Who are you?", voleva farlo capire, una volta per tutte, anche a lei.