Recensione: "Lo Squartatore" 1985 - Leland Thomas - Boarding House - 12 - di Giorgio Neri

Dopo mesi e mesi è finalmente tornato Giorgio.

Ma del resto lui e i ritardi sono un tutt'uno.

Se non sapete chi è Giorgio, infatti, leggete qui.

In ogni caso eccolo con un nuovo capitolo di quella che è, a questo punto, la rubrica esterna più longeva del blog.

Giorgio è un luminare di questo tipo di cinema, cinema misconosciuto, cult, disturbante, anarchico e weird.

Buona lettura ;)

Nel 1985 l’horror, prima di tutto, e poi il gore e lo splatter si

erano ben piazzati nella cultura di massa, accalappiando sempre più

fan, sebbene le majors lo tenessero a bada come un figlio deforme da

rinchiudere in qualche scantinato. Nell’anno domini 1980 erano usciti

Antropophagus di Joe D’Amato, Paura Nella Città Dei Morti Viventi di

Lucio Fulci, Shining di Stanley Kubrick, Venerdì 13 di Sean S.

Cunningham, Inferno di Dario Argento - e nel 1981 era uscito Nightmare

di Romano Scavolini...

Nel 1985 erano in programma Re-Animator di Stuart Gordon, Phenomena di

Dario Argento e sopratutto Il Giorno Degli Zombi di George A. Romero,

il capitolo della trilogia sugli zombi più cattivo, violento,

sanguinoso che Romero avesse concepito nel fondare il suo

personalissimo mondo cinematografico.

Quindi, il sangue scorreva a fiumi, insieme ad intestini e cervella.

Un passo indietro: Maniac di William Lustig è del 1980. In altre

recensioni di questa rubrica lo si è citato spesso. È, come si dice,

la summa di tutto quello che possa essere un serial-killer disturbato,

ossessionato dal suo passato sporco (madre puttana e punitiva) e che

si prenda la briga di assumere il punto di vista dell’assassino in

maniera precisa, studiata a tavolino senza retorica e, soprattutto,

senza tirarsi indietro nel mostrarne le peggiori nefandezze.

Nonostante questo, il film aveva una sua ricercatezza e anche un certo

gusto per l’immagine curata nonché un attore come Joe Spinell -

co-autore della sceneggiatura e ideatore del soggetto - che mise tutto

se stesso in questa perfomance davvero eccellente. Nel 2012 è stato

presentato al pubblico il remake tutto in soggettiva di Franck

Khalfoun, prodotto da Alexandre Aja e interpretato da Elijah Wood.

Non passa, quindi, senza lasciar traccia.

Probabilmente già nel (e dal) 1985 ci sono stati miriadi di epigoni e

questo film di Leland Thomas s’inserisce appieno in quella lista

imbrattata di sangue.

Leland Thomas ha scritto e diretto solo questo film. Ha dichiarato che

il prodotto emulsionato sulla pellicola era tremendamente orribile e

lo aveva fatto su commissione perché i produttori, e lui medesimo,

volevano ricavarci bei soldi. Ma questi produttori, paradossalmente,

lo avevano alleggerito delle sequenze più gore.

Grave errore, come la classica zappa sui piedi.

Infatti, il film non lo conosce nessuno ed è arrivato in Italia

soltanto in vhs (per la Skorpion) intitolato Lo Squartatore (il titolo

originale è Bits & Pieces). I distributori italiani erano di bocca

buona e all’epoca bastavano un po’ di sangue e tette succulente per

dare una possibilità commerciale ad un prodotto realizzato alla meno

peggio. Ma che aveva davvero quel quid che lo rendeva assolutamente un

diamante allo stato grezzo.

Grezzo, appunto, è il termine giusto.

È il motivo per cui potranno piacere e mandare in solluchero le scene

che seguono.

Prima scena.

All’inizio del film, uno spogliarellista si esibisce davanti a

numerose donne. In mezzo a queste, la protagonista Rosie e una sua

amica. All’uscita dal locale (il 2001...), si scopre che la

protagonista studia psicologia e deve fare una specie di tesina.

Zac! Prima coltellata: le chiappe dello spogliarellista e Freud si

legano insieme nello studio portato avanti da questa ragazza bionda e

cotonata. Non male come base per una teoria psicanalitica o

sociologica che, per il modo in cui è rappresentata, ha risvolti

particolarmente allarmanti in quanto a credibilità. Ma, per me, è pura

genialità.

Seconda scena.

La mattina seguente la nostra Rosie e la madre dialogano divertite a

proposito dello strip-club e sulle sensazioni che esso ha regalato

alla ragazza: lei parla di angeli bellissimi. La madre ride di gioia

su questa “pruderie” che non conosce affatto.

Zac! Seconda coltellata: in questa epoca moderna la signora di cui

sopra sarebbe stata considerata un’antesignana della milf e, forse, un

precursore di quel genere falsificato nella pornografia che è la

categoria mom&daugther. Viene il sospetto che se il film avesse avuto

successo molta di quella carne sarebbe stata usata nei porno a venire.

Terza scena.

La sporcizia della cucina nella piccola casa in cui vive lo

squartatore (una bella faccia, in parte butterata come quella di Joe

Spinell, a nome di S. E. Zygmont: questo di Leland Thomas è l’unico

film a cui ha partecipato) corrisponde al pezzo di cibo che fissa con

orrore - “l’istante, raggelato, in cui si vede quello che c’è sulla

forchetta” (cit.) - e che introduce il flashback, motore primo della

carriera criminale di questo uomo.

Da bambino, al piccolo Arthur capita di nascondersi nella camera della

madre. Lei vi arriva con uno spasimante e, dopo averlo beccato, lo

insulta (“vorrei che tu fossi morto”); poi lo prendono in giro

mettendogli una parrucca e il rossetto: è il rituale che

caratterizzerà la tortura e l’omicidio delle ragazze, come ogni

serial-killer che si rispetti.

Ma ecco che arriva la coltellata, zac!

Seconda parte del flashback: la madre rientra mezza sfatta e

zoppicante (troppo sesso?), il piccolo Arthur è ora un ragazzo

maggiorenne. Sta mangiando un panino ma smette quando vede la madre

ridotta in uno stato pietoso. Lei ha ancora le forze per prenderlo in

giro; afferra un salame e lo importuna dicendogli che non saprebbe

cosa farci e che quando lei è via lui si masturba. Insomma, è un

impotente, un deficiente, uno smidollato che non sa usare il pene. Lui

l’accoltella chiamandola: “Brutta puttana!”.

In poco meno di cinque minuti Leland Thomas ha messo insieme un

microcosmo di elementi che hanno come comun denominatore il sesso: il

cibo (il salame in special modo), la masturbazione, la messa al bando

della pratica come atto antisociale e perverso, il complesso edipico

attuato attraverso la penetrazione della madre per mezzo di un’arma

(il coltello: simbolo fallico) e, di conseguenza, l’eccitazione per la

tortura con armi dello stesso genere, il rimosso che deve essere

placato con il sangue e con la piacevolezza di fare a pezzi i corpi

come se fossero, appunto, salami da affettare e da punire, dopo aver

goduto della loro nudità inerme e dominata. Strabiliante (anche se

involontario, credo); inoltre, il flashback è girato bene, con un

forte grandangolare che accentua la situazione straniante e

l’atteggiamento degenere del protagonista.

Quarta scena: ciò che si definisce “la scena cult per cui vale la pena

che questo film esista, tale da far supporre che sia stato generato

soltanto per regalare una simile perla”.

Dopo l’interrogatorio di Rosie (all’inizio del film, la prima vittima

è l’amica che l’aveva accompagnata nel localino), durante il quale si

è sentita offesa dal tenente incaricato delle indagini - lui insinua

che abbia una “strana vita sessuale” nell’essere andata in uno

strip-club -, quest’uomo inopportunamente maschilista cerca di farsi

perdonare e, dal suo ufficio, chiama la giovane Rosie e le propone di

andare in spiaggia per rilassarsi.

Zac! la coltellata: andare in spiaggia mentre un serial-killer fa

quello che gli pare.

Seguono scene romantiche di loro che passeggiano sulla riva,

rigorosamente in costume; si baciano; poi vanno a casa di lui; piscina

con idromassaggio, drinks, caminetto accesso, giusto un attimo di

commozione al pensiero dell’amica uccisa, poi sesso.

In montaggio alternato il serial-killer uccide un’amica di Rosie,

avendo seguito quest’ultima per farla fuori in quanto crede che lo

abbia riconosciuto quella notte.

Non so bene se ci sia una sottile critica alle forze dell’ordine nella

persona del tenente, ma tale tesi si potrebbe confermare dal fatto che

nel finale il poliziotto, tentando di salvare in extremis la vita

della povera Rosie, ci rimette la pelle. Come dire: un inetto sembra

per tutto il film e come un eroe da quattro soldi muore nel suo stesso

sangue.

Mi piace pensarla così perché mi piace questo strano prodotto filmico.

Tutte queste coltellate mi hanno reso esangue.

Infatti, non ho parlato delle scene di omicidio perché sono quelle che

più si avvicinano al cannibalismo del prodotto primèvo, cioè Maniac.

Nonostante ciò, hanno un elemento che le differenzia: la madre

interagisce, per mezzo di un busto di manichino femminile e di una

voce fuoricampo, con il protagonista, istigandolo a vendicarsi di

quelle donne che peraltro rappresentano lei stessa. Un tortuoso giro

di spire psicologiche da far rizzare i capelli; a ciò si aggiunge il

fatto che, mentre nel film di Lustig il protagonista praticava lo

scalpo alle vittime, qui accade il contrario: alle vittime è posta la

parrucca che rese il protagonista-bambino oggetto di derisione - sono

i corpi ad essere smembrati.

Devo specificare anche che la stagione in cui è ambientato il film Lo

Squartatore è l’estate, quello di Lustig è l’inverno, precisamente il

Natale. Oltretutto, il vestiario del protagonista è diverso:

ovviamente Spinell è imbardato in una tenuta pesante, che lo rende

ancora più grosso, un bomberino e un cappello calcato in testa;

Zygmont, magrolino e topesco, è vestito con un pantalone nero, camicia

bianca e un cravattino: sembra in tutto e per tutto un mezzemaniche

che lavora in ufficio. Tale caratterizzazione dà un discreto vantaggio

al film di Thomas, perché rende al contempo il protagonista ridicolo

ed inquietante, subdolo nel suo sembrare un uomo da poco e, perciò,

minaccioso. Per alcune intuizioni tortuose della memoria, mi ha

ricordato il protagonista del film di Herschell Gordon Lewis, Blood

Feast (1963).

Dunque, Lo Squartatore è Maniac al contrario: caldo/freddo, grande/piccolo etc.

C’è della intenzionalità in questo, non è banale.

In tutta questa storia malsana si ha un ultimo tocco di classe.

I genitori di Rosie, quando l’assassino scopre dove abita e va a

prenderla, schiattano: il padre colpito mortalmente alla testa mentre

ascolta la musica gesticolando come un direttore d’orchestra; la

madre, nuda dentro la vasca (si ha la soddisfazione di coloro che

hanno pensato di lei ciò di cui sopra...), affogata in essa. Suppongo

che Leland, oltre a rendere più drammatico il film con tale sequenza,

abbia volutamente fatto rivivere al protagonista il piacere più

soddisfacente: uccidere un’altra madre, reale e non finta.

È doveroso ricordare la scenografia della “sala-tortura”: armi da

taglio di vario genere appese ovunque, candele, catene, tendaggi tra

il rosso e l’arancione, immagini di volti femminili sfregiati e un

tavolaccio perennemente sporco di sangue al centro: il “tavolo da

lavoro”. Dà l’idea di abbandono, decomposizione, squallore e malattia.

La musica non è eccezionale, se non fosse per il motivetto del

carillon che commenta le sequenze in cui Arthur regredisce a bambino,

schiavo della madre: mi ha ricordato quel na na na na che di solito

fanno i ragazzini quando deridono un loro compagno sfigato...