5.9.20

Festival del Cinema di Venezia 2020 - Giornate 1, 2 e 3


Cominciamo i nostri resoconti dal Festival di Venezia.
Quest'anno gli inviati sono Tommaso Ferrero ed Enrico (della rubrica degli anime) che sostituisce Riccardo, impossibilitato a partecipare.
Ecco le recensioni che mi hanno mandato dei primi due giorni.
Ovviamente a volte i film combaceranno ma credo rende solo la cosa più interessante

ci sono piccoli problemi di font in due recensioni, aggiusteremo


ENRICO G.


Presentazione
Il film che ha aperto la Giornata degli Autori, certamente appassionato e con grandi potenzialità, ha purtroppo grandissimi problemi di struttura. Uno scheletro e una “carne” quasi inesistenti, che lo rendono purtroppo pesante e faticoso, e hanno presto alienato il mio interesse.

All’altra estremità dello spettro un noir coreano che vola molto più basso nei generi, ma che ha davvero tutto: stile, ritmo, montaggio, personaggi profondi e macchiette, tendenze riflessive ed eccessi fuori luogo, scrittura non sempre perfetta e anima sempre pulsante.

HONEY CIGAR


Bisogna concederglielo ad Honey Cigar, non è un film facile di cui parlare.

Nasce di per sé da un contesto non facile, quella ferita coloniale che si estende dalla Francia al Nord Africa, che forse noi italiani non potremo mai comprendere del tutto; dal suo tratto più doloroso e sanguinante, l’Algeria. E dal microcosmo altrettanto difficile come la vita di una ragazza adolescente, divisa tra la madrepatria che l’ha cresciuta, e l’ex colonia che le ha dato i natali. Questi due mondi purtroppo non si incontrano mai veramente: la situazione algerina si fa spazio solo nel finale, a fatica tra le maglie di una regia troppo claustrofobica, stretta sui primi piani sostenuti, lunghissimi, specie sulla protagonista. Selma, questo è il suo nome, vive di ciò che costruisce l’attrice e i personaggi attorno a lei, in particolare i suoi genitori fittizi: i personaggi migliori del film, interpretati benissimo (il padre ricorda vagamente il compianto Irrfan Kahn) nelle loro difficoltà di crescere una figlia, perlopiù da algerini, stretti tra il ripudio e le convenzioni del paese che hanno lasciato. Purtroppo non basta, perché la scrittura si perde, sceglie binari convenzionali o troppo assurdi (il ku klux klan studentesco che sembra scartato dai riti universitari di Raw o la scena quasi fantozziana dove il padre minaccia di buttarsi dalla finestra), insomma non supporta le grandissime interpretazioni. Anzi, sembra molto più interessata a infilare il sesso, per finta, per davvero, per allusioni, in almeno tre quarti delle scene, con una pedanteria esasperante. Forse anche il sigaro al miele titolare si inserisce in questa trafila, visto che non si vede fisicamente né l’uno né l’altro durante tutta la durata della pellicola…

Come dicevo, è difficile parlare di un film così, fatto con sentimento, visto con il cast e la regista in sala, tra l’altro esordiente, anche nella sceneggiatura. E, bisogna aggiungere, con interpreti capaci e musica meravigliosa, che purtroppo rendono ancora più evidente la mancanza di una direzione registica o di scrittura capaci di convogliarli. Peccato.

NIGHT IN PARADISE


Folgorante.

La prima cosa che salta all’occhio, iniziando Night in Paradise, è la regia. Non c’è un’inquadratura fuori posto. È metodica e precisa, come il protagonista Tae-gu. Come il cinema coreano, che non sbaglia un colpo, e anche qui trova un suo esponente, che senza eccellere particolarmente in un singolo componente ha tutto ciò che serve, tecnica, anima, capacità di saper narrare (il regista ha fatto tutto per conto suo, sceneggiatura compresa).

Siamo in quel cinema di gangster all’orientale, fatto di coltelli, cosche mafiose che si fanno la guerra per l’onore o i soldi, sgherri ricoperti di tatuaggi o di completi neri e bianchi tutti uguali. E siccome è un neo noir, i passati sono tragici, il presente fosco, il futuro atteso autodistruggendosi, con in mano pacchi di sigarette o bottiglie d’alcol scadente.

Questo è il mondo di Tae-gu, rispettato dai capi, dai subalterni, persino dai rivali. Fino al giorno in cui tutto comincia ad andare terribilmente storto, e il nostro monoespressivo eroe si ritrova in fuga, via dalla maledetta e oscura Seul. Quando dico monoespressivo non bisogna pensare all’incapacità di esprimere emozioni, quanto alla durezza monolitica del Ryan Gosling di Drive. Quello sguardo che sa (e se lo metti alla prova sono guai), qui appartiene ad un uomo capace di uccidere a sangue freddo nelle terme per poi fuggire nudo. Che dopo una settimana di inattività, fumo e bevute, può sostenere un inseguimento in autostrada alla The Raid 2, e poi come Rama combatte in macchina, lui solo contro almeno 15 che lo assediano. Un uomo così granitico che durante la fuga non si degna di fermare la macchina per le medicine, ma si fa mordere la mano per calmare la ragazza in preda agli spasmi.

Ed è lo stesso che arriva per salvarsi la vita nella piccola isola di Jeju, ospite di un vecchio gangster e sua nipote (che bella questa contrapposizione di mafia cittadina e indigena, con i loro territori e competenze). Lì non si può fare nulla, solo aspettare.

E paradossalmente il film funziona ancora meglio in questa parte centrale, fatta di lente conversazioni, di ristorantini vuoti, senza neanche cameriere o proprietari. E di zuppe al pesce che sanno dell’infanzia, povera e in riva al mare, senza i boati delle pistole e i sibili delle lame.

Non che ciò che accada nella capitale sia meno interessante, anzi, c’è forse la mia scena preferita di tutto il film, il colloquio a tre. Capo Ma, Capo Park e Yang. Il primo è una faccia da cazzo indimenticabile, bellicoso e iracondo, che eppure si scoprirà in seguito dotato di una sorta di codice etico (come Tae-gu). Il secondo un “funzionario”, poliziotto corrotto (poteva mancare in un film coreano?) prestato al ruolo di paciere, fanaticamente legato all’avanzata di carriera (determinata dalla tregua che riesce a mantenere tra le gang). Il terzo il capo a cui Tae-gu è legato da immensa lealtà, che mano a mano si scoprirà sempre più viscido opportunista, marcio fino al midollo.

L’atto finale vira nuovamente nello stile, raggiungendo eccessi sanguinolenti a tratti degni di un film splatter. Per far capire in quali dintorni ci si trova, ad un certo punto vi è la scena di una porta che viene sbarrata, in modo identico a Kingsman, o se si preferisce al cinema di Bastardi senza Gloria. E anche lì avviene un massacro, fulmineo, il giorno dopo quello lungo e penoso (a tratti, anche per lo spettatore) della pescheria.

Il finale, nonostante le lungaggini, ripiglia la coraggiosa tragicità dell’inizio.

Restano solo le schiere di morti, di donne che non hanno potuto vivere e uomini che hanno scelto di morire. Una spiaggia, un sorriso per quel passato prossimo, così duro eppure così felice. E l’ultimo viaggio alla fine del giorno, sulle ali di una pallottola per raggiungere quella Notte in Paradiso.   
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09:53 (6 minuti fa)

Dashte Khamoush (The wasteland) è un film iraniano poverissimo, squadrato come il suo format di ripresa, desolato come la sua mancanza di colori (è filmato in bianco e nero). La storia di un giorno, l’ultimo, di una fabbrica di mattoni persa nel nulla. E del suo straordinario guardiano.
Nuovamente agli antipodi, un film francese moderno, cinetico, dalle tinte fosche e amare. Con una protagonista dalla bravura e bellezza quasi insostenibile.

THE WASTELAND

The Wasteland è il capolavoro di un grande uomo di penna, Eliot. Quella desolazione di cui parlava non sta però ai nostri piedi, nella sua accezione fisica, ma dentro gli animi. Nella corruzione morale, spirituale e sociale che frammenta anche l’umanità del film omonimo.
Ci troviamo nel mezzo di una terra incolta e friabile, adatta ad una sola cosa: l’impasto dei mattoni. Se ne occupano poche famiglie, abitanti di questa fabbrica-dormitorio, con un padrone proveniente dalla città, e Lotfollah, intermediario tra i due mondi. Dico subito che quest’ultimo personaggio è la vera ragione per vedere un film che soffre di una lungaggine finale spesso snervante, e un tasso di rivedibilità pari a zero. Un guardiano obbediente, stoico, la cui esistenza non si è mai separata dal quel forno, capace solo di sputare fuori mattoni inutili, che nessuno vuole più, nessuno userà o richiederà una sola volta nell’arco del film. Lui ha già fatto tutto in quella fabbrica, prima e con meno aiuti e meno salario delle famiglie di ora, lui è il Sostitutore, che copre le mansioni di chi va dal capo a chiedere gli arretrati e sparlare di lui. In una specie di incastro, vedremo più volte questo copione svolgersi intorno al discorso di chiusura della fabbrica: avere problemi, consigliarsi con Lotfollah, andare dal capo a chiedere soldi. La famiglia azera, quella iraniana, quella curda, tutti con stipendi arretrati, tutti miserevoli (e non solo perché poveri), tutti senza un tavolo, a bere tè e riposare sotto un sudario. Comandati da un uomo che più di loro ha solo la macchina e le sigarette che fuma ad ogni colloquio. A suo modo straordinario anch’esso, questo capo che promette sempre un futuro migliore che mai arriverà.
Paradossalmente è questo il pregio e il difetto maggiore del film, la ripetitività dell’intreccio, che contagia il ritmo e allunga penosamente il finale. Che quando però arriva colpisce fortissimo, non solo per il tragico reiterarsi di una desolazione dalla quale è impossibile scappare, ma soprattutto per quei mattoni inutili, che finalmente trovano uno scopo, l’ultimo possibile.

AMANTS

Gran bel film Amants. Pur non avendo probabilmente nulla (un motivo sì in realtà) che fa gridare al miracolo, è essenzialmente senza difetti. Soprattutto, non annoia per nemmeno un secondo della sua ora e quaranta di durata. Ecco, non ha pause, e questo potrebbe essere un problema per chi ama (come me) la poesia del silenzio, dell’immobilità. Ma indubbiamente la regista Nicole Garcia ha saputo dare ad ogni scena la sua importanza, ad ogni dialogo la sua musica, rimanendo dove era giusto rimanere e tagliando dove era necessario tagliare. Qui si vede l’occhio d’insieme, quello di chi ha una visione e può fare da sé anche senza una fotografia stellare (è questo il caso). In un certo senso mi ha ricordato l’atmosfera creata da Oriol Paulo in Contrattempo, forse per lo stile patinato in salsa francese o per la fosca storia dei due amanti protagonisti.
Parentesi: così fosca da meritarsi un vietato ai 14 dalla Biennale, mentre Night in Paradise, senza nudi ma con la sua truculenta carneficina finale ha un allegro lasciapassare per tutte le età. Bizzarrie della censura.
 Tornando al paragone, non parliamo però né della stessa genialità, nè di genere tout court, tanto che nel terzo atto avviene una fase di confusione dove il film non sa se virare sul thriller o rimanere un drammatico romantico.
Ma bando alle ciance, Amants va visto per due sole ragioni, e una è Stacy e l’altra è Martin. Questa attrice, un’emerita sconosciuta nove anni fa in Nymphomaniac del grande Lars von Trier, non avrei mai scommesso potesse diventare una delle mie preferite in assoluto. Sono presenti grandi attori, come la bellissima fulva che assomiglia vagamente a Saoirse Ronan, o i due protagonisti, l’aquilino Simon (che mi ha convinto mano a mano che proseguiva la storia) e il tozzo Leo con la sua mascella da Tom Hardy. Però non c’è niente da fare, Stacy si mangia l’intero film con tutti gli altri dentro. Ha uno sguardo intensissimo, che buca lo schermo in qualsiasi occasione, che sorrida o pianga, in costume o cappotto, truccata, affannata, appena svegliata, con le occhiaie, accaldata da una doccia o in vestaglia, spettinata, a fumare e autocommiserarsi. C’è un momento che mi è rimasto assurdamente impresso considerando l’influenza sulla trama. Lisa, il suo personaggio, è sull’orlo delle lacrime davanti al padre. Asciugandosi gli occhi con una mano si sbafa il mascara. Quella linea irregolare, che in novantanove attrici su cento avrebbe rovinato l’intero viso, sul suo, anch’esso irregolare e imperfetto, esalta ancora di più quanto sia bella ed espressiva.
Aiuta che lo stesso personaggio sia interessante, scritto molto bene. Lisa è una femme fatale del nuovo millennio, tanto consapevole del proprio potere e la propria sensualità quanto lacerata dalle sue stesse voglie e scelte, o dall’incapacità di averle ben chiare. Lo sintetizza pure, un personaggio del film: “Sembri… non mi viene, un quadro. Scuro, cupo”. Esattamente come quel volto misterioso, che incanta e smarrisce.
A Venezia c’era già stato un film, anche più bello di Amants, ovvero il meraviglioso e sottovalutatissimo Amanda, a regalarci una performance altrettanto speciale. Lì però tutto era molto più bilanciato, Stacy era una coprotagonista che doveva ritagliarsi il suo spazio negli strati di una storia bellissima e dolorosa. Qui, dove se possibile è ancora più brava, come protagonista gli spazi che cede il film li occupa tutti, dando un’interpretazione travolgente: se sta bene allo spettatore, vale da sola la visione di un già ottimo film.

TOMMASO FERRERO 

Cala il buio su Venezia
Non metto voti, non ho la capacità né la voglia di farlo, è solo come ho vissuto il film. I voti odiavo prenderli, non credo potrei mai, dunque, darli. Saranno riflessioni, forse un po’ romanzate, su quella assurdità che è la mostra del cinema.

Mila (Apples) – Christos Nikou, Grecia


Opera prima dell’assistente alla regia di Dogtooth che, come ci oramai ci hanno viziato il buon Lanthimos ed il cinema greco, parte da un soggetto fortissimo. Una pandemia sconosciuta causa negli infetti un’amnesia totale, portandoli a dimenticare ogni dettaglio sulla loro vita precedente. Il governo greco, dunque, crea un programma di riabilitazione atto a portare i pazienti a vivere esperienze indimenticabili (come possono essere un incidente o un salto nel vuoto), così da ricreare una propria storia di vita. Il nostro protagonista senza nome si muove in un film pulito con grandi trovate dal risvolto comico e amaro. La sua inattendibilità come protagonista è l’elemento più interessante del film, che ci porta a essere spettatori involontari di un uomo che ha deciso di arrendersi alla paura del dolore. All’uscita della sala comunque si esce con un sorriso di dolcezza.

Meel patthar (Milestone) – Ivan Ayr, India


Ogni anno a Venezia amo vedermi un paio di film dell’area indiana-tibetana. Non perché mi piacciano, ma perché mi portano lontanissimo, in luoghi e abitudini che sono per noi quasi incomprensibili. Questo è successo in parte anche con Milestone che, dopotutto, è la storia di un camionista. I camionisti in India non sono tanto diversi che i camionisti qui, vivono di miglia e sono spesso lontani da casa. E di questo parla Milestone, di un uomo solo, solo per scelta di vita, perché la sua lontananza da casa ha portato la moglie a suicidarsi in seguito ad un litigio. Questo lo porta a gettarsi nel lavoro in maniera maniacale e autolesionista, così da condannarsi a un eterno mal di schiena. L’arrivo di un giovane apprendista porta, però, la possibilità di un licenziamento. La cosa interessante del film, dai ritmi comunque dilatatissimi, oserei dire liturgicamente strazianti, è il paradosso di base. Il protagonista non vuole andare avanti nonostante non stia fermo nemmeno per un minuto di film. Gli ultimi venti minuti sono carichi dell’umanità dei personaggi, debolezze e desideri implodono su se stessi. Il resto sono belle immagini di una brutta India.

Gaza Mon Amour – Nasser Brothers, Palestina


Dopo l’israeliano Tel Aviv on fire dell’anno scorso Venezia cambia fazione e passa ridacchiando in Palestina. Gaza mon amour è un film elegante, lieve, forse come ha definito la simpatica signora tre file davanti a me “’na cazzata”. Però a me è piaciuto. E non poco. Un anziano pescatore si innamora di una sarta del souk, anch’essa non giovanissima. Quando l’uomo trova in mare una statua di Apollo la polizia inizierà a bloccare ogni suo tentativo di dichiararsi alla sua amata. Basta. Nulla di più. Una storia che in pratica è un incipit, però ricca di quella realtà che a noi arriva solo filtrata tramite i giornali. La guerra, la povertà e la voglia di fuga vengono sparse ai contorni di una storia dolce, ma mai patetica, in cui il fiore dell’amore di due personaggi “sbagliati” diventa un traino enorme. Un film povero di tutto, ma non di sentimenti.

The Furnace – Roderick MacKay, Australia


Un film unico nel suo genere. Un western ambientato nell’outback australiano, il cui protagonista è un cammelliere afghano amico degli aborigeni. Il Ghan (nome dei cammellieri portati in Australia dagli inglesi) viaggia assieme ad un ladro d’oro verso una fornace, così da togliere il marchio della regina e rendere i lingotti non riconoscibili alle autorità. Il tutto inseguiti dalla polizia e da una personificazione di satana. La prima oretta non scorre bene, ma gli ultimi cinquanta minuti sono un western di grandissima qualità, dove la vendetta personale del protagonista si trasforma e cambia forma come i lingotti che porta in sella al suo cammello. Una storia affascinante sul tema dell’appartenenza, dove l’oro è veleno che uccide qualsiasi cosa tocchi.




10 commenti:

  1. Complimenti Tommaso, anche se non ti conosco sono contento di averti come collega, visto come scrivi, chiaro e diretto.
    Per fortuna hai coperto tu Milestone, un film di cui non ho volutamente parlato perché non credo avrei potuto dire nulla di interessante (come forse avrai capito, non ci sono entrato in sintonia). The Furnace invece... beh, ne parleremo :)
    Ciao

    - Enrico

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  2. A sto punto oltre che leggerci speriamo di beccarci in sala e/o davanti a uno spritz.
    Milestone non vuole entrare in sintonia con molti, ha senso. E non vedo l'ora di parlare di The Furnace a questo punto, vista la voglia che mi hai fatto venire di vedere The Wasteland che avevo, a piè pari, saltato.

    -Tommaso

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    1. Se vuoi ti offro una pepsi dove sto io ma lo spriz no, con quello che costano al Lido torniamo a casa in mutande hahaha. Preferirei ci vedessimo in sala, magari non per rivedere The Wasteland, troppo duro e dokoroso ;) Ma molto bello, nonostante sia ancora più dilatato di Milestone. Sono convinto potrebbe piacerti.
      Su The Furnace mi farò sentire presto, in un modo o nell'altro ;)

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  3. Grazie Enrico e Tommaso del viaggetto virtuale al lido!
    Spero di recuperare qualcosa con "le vie del cinema" a Milano. Mi incuriosiscono Mila e The furnace.
    francesca basile

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    1. Grazie a te Francesca per averci letto. Io the furnace non l'ho apprezzato haha. Ma è anche per questo che io e Tommaso recensiamo gli stessi film, diamo diverse prospettive allo spettatore, e può fare solo bene.
      Ciao

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    2. Bellissima iniziativa quella di Milano, la frequentavo anni fa per vedermi i film quando non andavo alla mostra.
      A sto punto facci sapere di The Furnace se lo recuperi
      Ciao

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    3. Si, spero sia fatta una buona selezione, son proprio curiosa.
      Francesca B

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  4. (Parte 1) Ciao ragazzi! Anche se ormai quasi al tramonto di quest'edizione, ci tenevo lo stesso a commentare i vostri meravigliosi resoconti di più giorni, che mi hanno tenuto compagnia in questo strano anno lontano ahimè dal festival (e quindi automaticamente anche dalla scrittura in prima persona di questa stessa rubrica).
    Che bello leggere le vostre parole così attente e meditate: riflessioni romanzate, come le ha introdotte magistralmente Tommaso. Di due persone molto fidate, aggiungo io. Che quest’anno in effetti non ho neanche potuto vedere dal vivo lì al Lido. Sentirvi però attraverso le vostre esperienze festivaliere ammetto che conserva comunque il suo fascino.

    Ma torniamo ai film. Mi ero ripromesso di vedere qualcosa sulla Sala Web (quest’anno tra l’altro anche molto più ricca), ma non sono ancora riuscito a vedere nulla. E la cosa mi crea ancora più disturbo, soprattutto dopo le vostre bellissime analisi, così diverse eppure insieme così complete ed esaustive.

    Vado con ordine:
    Enrico
    -Honey Cigar: mi ispirava poco in partenza e ora mi ispira ancora meno ahah Un po’ forse per il tema, un po’ per l’approccio. Speriamo a questo punto di vedere lo stesso questi promettenti volti di attori esordienti (?) in film più riusciti.
    -Night in Paradise: questo sembra pazzesco.
    Con le tue parole, Enrico, mi hai letteralmente folgorato (per riprendere l’esordio della tua recensione). Il cinema coreano è in effetti un esempio perfetto di equilibrio e di tecnica, persino paradossalmente quando ci sono piccoli eccessi (per esempio di splatter). E questo film sembra non fare eccezione, fondendo generi, storie, stili, ma conservando sempre un solido rigore di fondo. Che bello poi quando si uniscono insieme il dinamismo di violenza e cosche mafiose con la dimensione più quieta e contemplativa in cui l’assenza (più che la presenza) accompagna lente conversazioni criminali (e non). Mi ha ricordato molto la bellissima rappresentazione della violenza che fa Refn nella sua serie-film ‘Too Old to Die Young’.
    Con un comparto tecnico così eccezionale, immagino l’emozione di vederlo in sala. Chissà se nel frattempo con una futura (si spera) distribuzione incapperà in qualche censura, assente invece lì durante il festival.
    -The Wasteland: è forse (insieme a Mila) quello che mi ispira di più. Il valore del tempo, di un piccolo microcosmo isolato dal resto del mondo. Problemi e questioni apparentemente semplici ma che in quei luoghi così remoti assumono significati grandi, forse persino quasi esistenziali. E l’attesa di un cambiamento, di una risoluzione, che mi ha richiamato il per me meraviglioso ‘La ragazza d’autunno’ (che so tu invece, Enrico, hai mal sopportato ahah). E nel frattempo aspettare e continuare a seguire la propria ripetitiva e schematica vita. Spero di non dover anch’io aspettare così tanto per vederlo.
    -Amants. Ce lo siamo già detti in separata sede: mi hai messo una gran curiosità. Perché questo film l’hanno demolito quasi tutti. E visto che condividiamo, tra le altre cose, la stessa passione per Stacy, credo di doverlo vedere ad ogni costo. Anche già solo per capire fin dove è riuscita a spingersi in questa nuova avventura attoriale. Nel suo perfetto equilibrio tra armonia ed irregolarità. Tra impassibilità ed emozione. Probabilmente è una femme fatale a prescindere da questo film. E come tale risulta inafferrabile. Tanto appunto che la gran parte del pubblico è riuscita a perdersela nel meraviglioso ‘Amanda’, per il quale, come diciamo sempre, è sempre importante spendere qualche parola.
    Visto che non ha riscosso grande successo di critica e pubblico, mi sa che anche questo ‘Amants’ entrerà nei film perduti e poi ritrovati dalla nostra Stacy Martin Foundation. Facciamo però attenzione a non proiettarli in sequenza: ‘Amants’e ‘Amanda’ – già mi immagino la confusione dello spettatore per i nomi vagamente simili.

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    1. (Parte 2)
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      Tommaso
      -Mila: come dicevo poco sopra, uno dei film che mi ispira di più, anche e soprattutto perché amo il cinema greco, tanto che spesso apprezzo persino le opere più imperfette. Qui sembra declinarsi in una visione di maggiore speranza e dolcezza. Chissà però fino a che punto ;)

      -Milestone. Di Ivan Ayr avevo visto qualche anno fa a Venezia ‘Soni’, che non mi aveva fatto però impazzire. Questo dalla tua recensione sembra già più interessante. Soprattutto il paradosso del movimento che citi. Magari un viaggetto su quel camion indiano me lo faccio pure io ;)
      -Gaza Mon Amour: altro film che spero di vedere presto. Perché, come ‘Tel Aviv on fire’ che tu stesso hai citato, dimostra che anche in quelle nazioni il cinema può comunque ritrovare una dolcezza apparentemente sopita, nonostante le ingiustizie, nonostante la guerra.

      -The Furnace: dalle vostre recensioni (anche appunto quella di Enrico nella puntata successiva di questa rubrica) ho sviluppato uno strano interesse per questo film, figlio di una grande contraddizione tra i punti di forza e i punti di debolezza che entrambi avete rilevato. Se non erro è un lavoro di produzione australiana che parte proprio da una premessa squisitamente altrettanto australiana (avevo letto alcune dichiarazioni del regista riguardo proprio al fatto che l’Australia conservi oggi il più alto numero di cammelli selvaggi). Questa ricerca delle radici della storia e del presente come premessa e obiettivo dell’opera filmica mi ha fatto tornare alla mente anche un altro recentissimo film australiano che sempre di avventure in quelle terre desolate parla: ‘The True History of Kelly Gang’, ovvero il ritratto del criminale-paladino simbolo appunto dell’Australia (Non so se tu, Tommaso, l’avessi visto all’ultimo TFF, dove è stato appunto presentato).
      La corsa all’oro e il viaggio avventuroso nei suoi incontri più imprevedibili mi ha ricordato invece il più noto ‘The Sisters Brothers’ (tra l’altro sempre presentato a Venezia qualche anno fa), seppur credo presenti caratteristiche ed esiti notevolmente diversi. Il western è stato in fondo un genere cardine del nostro passato cinematografico italiano, chissà quanto anche questo film ne sia debitore.
      Insomma, se capiterà sottomano, sicuramente gli darò una chance!

      Grazie ancora per le vostre recensioni!
      Appena riesco vi commento anche sugli altri pezzi ;)
      Buon ultimo giorno di festival!

      -Riccardo

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